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Sinon j'ai vu Le phare du bout du bout du monde, adaptation de Jules Verne, réalisé par Kevin Billington, et interprété par Kirk Douglas et Yul Brynner. (1971)


Synopsis : Will Denton, un ancien mineur reconverti en gardien de phare, pense avoir enfin trouvé la solitude à laquelle il aspire tant. Jusqu'au jour où une bande de pirates sanguinaires débarquent sur son île perdue du Pacifique. Réfugié dans la forêt, Denton recueille Montefiore, le survivant d'un naufrage. Ensemble, les deux hommes se dressent contre les pirates et leur chef, le redoutable Jonathan Kongre.

Un film surprenant à plusieurs égards !
Déjà parce que je ne connaissais pas ce côté sombre et nihiliste de Verne (à priori, il aurait écrit ce roman lors d'une phase de dépression), lui qui faisait plutôt dans l'optimisme et la gaieté d'habitude. Ici pas de fantastique non plus, même si on flirte parfois avec un certain onirisme.
L'autre surprise vient du parti pris de l'adaptation, on aurait pu s'attendre, à la vue des précédents films tirés de l'oeuvre de l'écrivain et du casting ultra populaire, que ça donnerait un truc édulcoré et familial, comme la plupart des objets cinématographiques traitant du thème des pirates d'ailleurs. Mais on en est carrément aux antipodes, le film s'inscrivant bien dans cette vague de réalisme et d'ultra violence du début des années 70, présageant par sa folie ambiante et le sentiment de malaise durable dans lequel il met le spectateur, des films comme Delivrance ou Mad Max. Les pirates y sont montrés, non comme des clowns vulgaires ou de parfaits gentlemen, ce qui était l'apanage au cinéma dans les années précédentes, mais comme ce qu'ils étaient vraiment, des ordures sadiques ne reculant devant aucune ignominie pour arriver à leurs fins ou satisfaire leurs bas instincts.
Techniquement le film semble souffrir de moyens insuffisants, mais il s'en sort bien grâce à son splendide décor naturel. Les acteurs donnent corps à leurs personnages de manière efficace, malgré un léger manque d'écriture dans la psychologie des protagonistes, laissant esquisser des thèmes probablement plus approfondis dans le livre, mais à contrario le scénario met de suite le spectateur dans un sentiment d'urgence et de tension qui ne le lâchera pas jusqu'au final épique.
Pour conclure, en dépit de quelques maladresses scénaristiques et imperfections techniques, ce Phare du bout du monde s'impose comme un film singulier, loin des productions formatées actuelles, constamment audacieux et qui marque durablement. Ce qui en fait une oeuvre à découvrir pour qui veut sortir du carcan des productions balisées ou en apprendre plus sur la face méconnue du grand Jules Verne .

Tu l'as lu/vu celui là @wiiwii007 ?

Bon j'ai également vu Gladiator 2, je ne m'attarderai pas beaucoup dessus...
Je m'attendais à une purge et je n'ai pas été déçu. Au contraire je suis même surpris de voir à quel point Scott s'évertue à pourrir sa filmographie. Il faut vraiment qu'il arrête le vieux, déjà son Napoléon était horrible, mais il a encore réussi à faire pire .
Scénario indigent, effets spéciaux dégueulasses, scènes wtf, acteurs insipides, c'est une compile de nullités.

Je savais pas qu'il y avait eu une adaptation Hollywoodienne du phare du bout du monde.

Scott il est d'une irrégularité qui force le respect. Raised by wolves ou The Last Duel étaient corrects. Puis il peut sortir un truc absurde après...

- "Lawrence of Arabia", réalisé par David Lean, sorti en 1962 -

Ca fait un bail que je voulais le voir ce film. Notre voyage au Maroc m'a relancé et c'est enfin chose faite. Tiré du bouquin de Thomas Edward Lawrence (le fameux Lawrence d’Arabie), on suit ce qu'il a bien voulu nous rapporter de son histoire et de son influence dans la grande révolte arabe de 1916-1918. C'est une période que je ne connaissais pas vraiment…

Du coup ce film m'a fait découvrir tout ça et c'était génial. Avec ma copine on a beaucoup aimé. Que ce soit au niveau de l'histoire, de l'image, des décors très impressionnants, des persos charismatiques, ou encore de la BO… Il y a du lourd. Le thème principal est peut-être un peu trop exploité à mon sens mais ça va, ça reste agréable. La narration, elle, est un poil confuse. Je ne sais pas si ça vient de moi ou du film, mais j'aurais aimé que ce soit légèrement plus clair à comprendre… M'enfin, un superbe film de presque 4H qu'on n'a pas vu passer…



- "That Thing You Do!", réalisé par Tom Hanks, sorti en 1996 -

Un film que je voulais faire découvrir à l'ado de la maison car il s'est mis à la batterie. Il a kiffé, maintenant il veut que je lui apprenne le morceau ^^ Il m'a tellement marqué ce film quand j'étais jeune… Il donnait de l'espoir. Aujourd'hui je le trouve toujours aussi bien. Les persos sont plutôt charismatiques et jouent bien leur rôle. L'ascension vers le succès est belle, l'histoire prenante… Non je n'ai rien à lui reprocher à ce film. Peut-être sa bande son tournant trop autour du tube. A force, ça peut peut-être saouler si on adhère pas forcément au style.

Gringos10 a écrit : ↑

29 déc. 2024 14:05

Sinon j'ai vu Le phare du bout du bout du monde, adaptation de Jules Verne, réalisé par Kevin Billington, et interprété par Kirk Douglas et Yul Brynner. (1971)


Synopsis : Will Denton, un ancien mineur reconverti en gardien de phare, pense avoir enfin trouvé la solitude à laquelle il aspire tant. Jusqu'au jour où une bande de pirates sanguinaires débarquent sur son île perdue du Pacifique. Réfugié dans la forêt, Denton recueille Montefiore, le survivant d'un naufrage. Ensemble, les deux hommes se dressent contre les pirates et leur chef, le redoutable Jonathan Kongre.

Un film surprenant à plusieurs égards !
Déjà parce que je ne connaissais pas ce côté sombre et nihiliste de Verne (à priori, il aurait écrit ce roman lors d'une phase de dépression), lui qui faisait plutôt dans l'optimisme et la gaieté d'habitude. Ici pas de fantastique non plus, même si on flirte parfois avec un certain onirisme.
L'autre surprise vient du parti pris de l'adaptation, on aurait pu s'attendre, à la vue des précédents films tirés de l'oeuvre de l'écrivain et du casting ultra populaire, que ça donnerait un truc édulcoré et familial, comme la plupart des objets cinématographiques traitant du thème des pirates d'ailleurs. Mais on en est carrément aux antipodes, le film s'inscrivant bien dans cette vague de réalisme et d'ultra violence du début des années 70, présageant par sa folie ambiante et le sentiment de malaise durable dans lequel il met le spectateur, des films comme Delivrance ou Mad Max. Les pirates y sont montrés, non comme des clowns vulgaires ou de parfaits gentlemen, ce qui était l'apanage au cinéma dans les années précédentes, mais comme ce qu'ils étaient vraiment, des ordures sadiques ne reculant devant aucune ignominie pour arriver à leurs fins ou satisfaire leurs bas instincts.
Techniquement le film semble souffrir de moyens insuffisants, mais il s'en sort bien grâce à son splendide décor naturel. Les acteurs donnent corps à leurs personnages de manière efficace, malgré un léger manque d'écriture dans la psychologie des protagonistes, laissant esquisser des thèmes probablement plus approfondis dans le livre, mais à contrario le scénario met de suite le spectateur dans un sentiment d'urgence et de tension qui ne le lâchera pas jusqu'au final épique.
Pour conclure, en dépit de quelques maladresses scénaristiques et imperfections techniques, ce Phare du bout du monde s'impose comme un film singulier, loin des productions formatées actuelles, constamment audacieux et qui marque durablement. Ce qui en fait une oeuvre à découvrir pour qui veut sortir du carcan des productions balisées ou en apprendre plus sur la face méconnue du grand Jules Verne .

Tu l'as lu/vu celui là @wiiwii007 ?

Non du tout. Je ne savais même pas qu'il existait ce film ^^

Je vous conseille d'aller voir le remake de Nosferatu de Robert Eggers, pas un chef d'œuvre absolu, mais visuellement c'est très soigné ...

Je me demande bien comment on peut remaker un tel film....
Mais du coup ça m'intrigue.

Ben on peut pas, justement

J'ai une certaine tendresse pour le Herzog, mais on n'est pas quand même pas au niveau du chef d'œuvre de Murnau.
Quant au Eggers, ma foi, comme toi je suis curieux mais assez pessimiste aussi.

Le remake de Robbert Eggers est un vrai film d'horreur, pas de romantisme à la Coppola et il essaie de rendre le compte de nouveau effrayant. c'est un veritable monstre/démons et il y a des scènes assez gores. C'est aussi un hommage aux fims d'horreurs, à commencer par L'exorciste. Il y a beaucoup de scènes de possession. Pour moi, ce remake de Nosferatu est autant un hommage à l'original qu'à L'exorciste.

Je suis allé voir ce Nosferatu hier. Là où le film de 1922 était impressionnant pour son époque, celui-ci ne marquera pas l'histoire mais reste un film plaisant. Certains avec moi l'on trouvé trop long et verbeux, je peux comprendre mais ça ne m'a pas vraiment dérangé. Le début est vraiment excellent, le reste est tout de même intéressant.

Visuellement, il est joli mais sur ce point j'en attendais encore plus à vrai dire =) j'espérais me prendre des baffes esthétiques mais au final c'était juste "beau" (ce qui est déjà bien ). La voix du vampire est géniale ! C'était en VO mais j'espère qu'elle rend aussi bien dans les autres langues (peu probable...) parce que j'aimerais bien revoir le film en allemand un de ces jours (parce que perso, l'accent british super prononcé pour des gens habitants en Allemagne ça m'a parfois sorti du truc, j'aurais aimé que ça utilise à chaque fois les langues réelles comme dans Inglorious Basterds).

+1 pour la moustache

+2 pour la moustache

Je suis allé voir en famille En Fanfare ...



En Fanfare est la nouvelle réalisation d'Emmanuel Courcol, après Le Triomphe qui a obtenu un joli succès d'estime, mais que je n'ai pas vu. C'est donc avec ce film que je découvre le travail du réalisateur et ceci après avoir vu une BA plutôt engageante, mais qui me faisait craindre une comédie franchouillarde à la Bienvenue chez les Ch'tis. En effet, En Fanfare parle d'une Fanfare dans le Nord sur le ton de la comédie dramatique. C'est donc dans la mouvance des Ch'tis, avec la rencontre entre des gens que tout oppose, mais qui au final finissent par s'apprécier. Les deux frangins partagent tout de même une passion, celle de la musique ... mais ça ne va pas être si simple que ça.

On va suivre les aventures de deux frères, ou tout du moins c'est ce qu'on va rapidement découvrir. Tout d'abord, vous avez Thibaut Desormeaux (Benjamin Lavernhe de la Comédie-Française) un grand chef d’orchestre de renommée internationale. C'est un acharné de travail qui voyage beaucoup pour ses différentes représentations. Alors certes, il a une vie très confortable, mais il dort très peu et semble très fatigué ... et pour cause, très tôt dans le film on va lui diagnostiquer une leucémie. Ensuite, vous avez Jimmy Lecoc (Pierre Lottin des Tuches) qui au contraire a une vie très modeste et n'a jamais quitté le Nord. Il est tromboniste dans une petite fanfare et voit d'un mauvais œil l'arrivée surprise de son nouveau frère. En effet, les deux bonhommes ont été adoptés par deux familles différentes à l'âge de trois ans. Et comme Thibaut a besoin d'un donneur pour une greffe de moelle osseuse et que sa sœur n'est pas compatible, puisqu'elle n'est pas vraiment sa sœur, il se met à la recherche d'un nouveau donneur. Et ce donneur, ce sera Jimmy ce frère dont il vient d'apprendre l'existence (on le voit dans la BA).

Je n'en dirai pas plus sur le scénario, je vous ai juste résumé les quinze premières minutes. Alors ne vous attendez pas à de grandes révélations ou autres retournements de situations, globalement ça reste très classique dans le genre comédie dramatique et musicale à la française. Ceci dit ça fonctionne, on ne s'ennuie pas une seule seconde et le duo d'acteurs têtes d'affiche est très attachant. L'émotion passe à travers la musique et ce mélange des genres, la fanfare (des reprises de Charles Aznavour ou de Sardou) et la musique classique (de Verdi au Boléro de Ravel). Toujours est-il que les deux frangins sont fans de Jazz et de Dalida qui voulait mourir sur scène ... La mise en scène est très posée, proche du regard de Benjamin Lavernhe et de Pierre Lottin, pour mettre en avant le jeu des acteurs et les émotions. Et comme déjà dit, c'est le portrait de deux personnages que tout oppose. Ainsi, Benjamin Lavernhe qui interprète un grand chef d'orchestre, a un jeu plus minimaliste, plus subtil, avec des gestes précis. A contrario, Pierre Lottin qui interprète un simple tromboniste de fanfare, a un jeu plus brute et brutal. Toujours est-il que l'alchimie est parfaite entre les deux acteurs/frangins qui n'étaient pas destinés à se rencontrer un jour. Le scénario monte crescendo et ça s'accélère furieusement sur la fin, jusqu'à son dernier mouvement bouleversant ... Mais rassurez-vous, En Fanfare ça reste une comédie. Il y a plusieurs scènes drôles, comme celle de leur rencontre qu'on aperçoit dans la BA ou celle de la virée en voiture et la nuit de biture qui s'ensuit. C'est drôle, c'est tendre et c'est aussi un film social. C'est d'ailleurs le seul petit défaut du film, l'aspect social qui est un peu maladroit. Le réalisateur a voulu aborder les difficultés des travailleurs dans le Nord avec le licenciement des mineurs de Lallaing suivi d'une grève sociale. On a aussi l'opposition sociale entre la famille de Jimmy qui vit simplement et la famille de bourgeois de Thibaut ... et les plus heureux ne sont pas ceux qu'on pense au premier abord. Bon, tout ça c'est bien gentil, mais on y croit pas trop et ces passages cassent le rythme du film, je trouve. L'intrigue aurait dû se focaliser sur la musique et la relation entre les deux frères, l'un qui est bien né et l'autre pas.

Bref, En Fanfare est une bonne surprise me concernant, dans la veine du cinéma social britannique à la Ken Loach (toute proportion gardée). C'est bien écrit, c'est touchant et assez drôle par moments. C'est en fait ce que j'appelle un bon feel-good movie, qui vous laisse avec un sourire aux lèvres. Il y a des bons sentiments, deux acteurs à l'unissons et je regrette juste une pointe pathos en trop.

Je suis allé voir en famille Nosferatu ...



Aprés The Witch, The Lighthouse et The Northman, Nosferatu est le dernier film de Robert Eggers et ce sera mon dernier film 2024 au cinéma. Très attendu et très controversé aussi pour ceux qui l'on déjà vu, Nosferatu reprend le fameux mythe du vampire popularisé par le roman Dracula de Bram Stoker publié en 1897. Il s'agit ici d'une adaptation non officielle, comme le fut à son époque le Nosferatu de Murnau en 1922, puis celui de Werner Herzog avec Klaus Kinski et Isabelle Adjani en 1979. C'est donc en quelque sorte le deuxième remake du Nosferatu originel, mais on pensera aussi au Dracula de Francis Ford Coppola qui avait pour ambition de coller au plus prés du roman. Ce n'est donc pas la première fois, loin de là, que le roman a été adapté sur grand écran de façon plus ou moins officielle.

Le cinéma de Robert Eggers s'inscrit parfaitement dans l'esprit du studio A24, une société de production indépendante new-yorkaise qui, année après année, cumule les succès critiques et publics. En s'attelant sur le remake de Nosferatu, il parvient à moderniser cette œuvre, tout en rendant hommage à l'atmosphère unique du cinéma expressionniste allemand. On peut aussi y déceler une forte influence de L'Exorciste de William Friedkin lors des scènes de possession. Mais c'est clair que, malgré tous ses excès (mais ça, on reviendra plus tard), ce film est un cri d'amour pour le Nosferatu de Murnau. On sent l'envie de respecter l'œuvre originale, tout en la modernisant (une direction esthétique singulière) ou en apportant sa petite touche personnelle (le comte Orlock et sa fameuse moustache). Robert Eggers trouve ici l'équilibre parfait entre un respect des origines expressionnistes allemandes de l'œuvre originale et une approche résolument moderne de l'épouvante.

Et pour donner vie à sa vision du mythe de Bram Stoker, Robert Eggers fait appel au talent de Bill Skarsgård dans le rôle du Comte Orlok, sachant que son frère Alexander Skarsgård à interpréter le rôle titre dans The Northman du même réalisateur. Mais le compte Orlock n'est pas vraiment le sujet principal du film, ou tout du moins on le verra peu à l'écran au final. Non, les deux personnages principaux sont incarnés par Nicholas Hoult et Lily-Rose Depp dans le rôle de sa bien aimée. Notons également la présence d'Aaron Taylor-Johnson et d'Emma Corrin et surtout de Willem Dafoe dans le rôle du professeur un peu fou dingue Von Franz. C'est la troisième collaboration entre Robert Eggers et Willem Dafoe son acteur fétiche, après The Lighthouse et The Northman.

Le récit colle au plus prés des deux Nosferatu précédents. Nous sommes donc à Londres durant le XIXe siècle et on va suivre Thomas Hutter (Nicholas Hoult) qui est envoyé en Transylvanie pour finaliser la transaction d'une demeure en ruine. Cette vente est pour le compte du comte Orlock (aka le comte Dracula) reclus dans son château. Il va donc partir plusieurs semaines et laisser derrière lui sa bien aimée Ellen (Lily-Rose Depp) qui se sent abandonnée. Celle-ci va être possédée à distance par le comte. Et pour combattre ce vampire qui va apporter avec lui la peste en Allemagne, Thomas va devoir s'associer avec le professeur des sciences occultes Von Franz (aka Van Helsing) et un médecin local le Dr. Wilhelm Sievers (Ralph Ineson). Il devra aussi compter sur son ami Friedrich Harding (Aaron Taylor-Johnson) un riche armateur bien plus sceptique que lui, ainsi que de son épouse Anna (Emma Corrin). On voyage donc ici entre croyance et scepticisme.

Le film dure plus de deux heures, mais ça ne raconte pas forcément plus de choses que l'œuvre originale d'une durée d'à peine plus d'une heure trente. L'intrigue est la même, mais la mise en scène est étirée. Le réalisateur prend le temps d'installer une ambiance particulièrement lugubre ici. Résultat, ce Nosferatu est très soigné sur le plan visuel et au niveau de la direction artistique, mais alors qu'est-ce que c'est froid et austère. Le film est vraiment étouffant, à l'image du personnage d'Ellen qui tombe dans la folie psychologique. En fait, la technique prend le pas sur le développement des personnages et sur les émotions. C'est sur-esthétisé pour ménager les effets (les jump scares), mais ça veut aussi rendre hommage au Nosferatu original. On a par exemple l'ombre de la main du comte qui ouvre la poignet de la porte ou qui s'étend au dessus de la ville de Londres, sans oublier tous ses jeux d'ombres, à l'image de celle de l'affiche du film qui est magnifique.

Bref, le Nosferatu de Robert Eggers a autant de qualités que de défauts, beaucoup de qualités au niveau de la forme et pas mal de défauts au niveau du fond. Le film est une succession de tableaux, à chaque plans c'est magnifique ... même si certains vont clairement lui reprocher d'être un film poseur. Sur le fond, Ellen est clairement le personnage le plus mis en avant ici, avec des scènes de possession assez spectaculaires. A certains moment, on se croirait même être dans L'Exorciste, ce qui me pose un peu problème. Personnellement, je trouve que ça casse l'ambiance et que le compte Orlock est de ce fait trop mis au second plan. J'aurais aimé que le film place plus le focus sur le comte, ou alors il aurait fallu appeler ce film Ellen et non Nosferatu. Mais de toute façon, tous les personnages ne sont pas assez développés et de ce fait on ne s'attache à aucun d'entre-deux, si ce n'est peut-être Thomas avec une interprétation impeccable de Nicholas Hoult.

Attention, ne croyez pas que je n'ai pas apprécié ce Nosferatu, au contraire. C'est juste que c'est un film qui divise beaucoup et du coup moi aussi je ne sais plus trop quoi en penser. Toujours est-il que même plusieurs jours après l'avoir vu, j'y repense encore, preuve que c'est un film qui ne laisse pas indifférent. Il me restera tous ces plans magnifiques, jusqu'au plan final d'une splendeur époustouflante. Par contre, je ne me suis pas senti autant investi dans l'histoire que dans le Dracula de Coppola (que j'adore), qui est un film plus prenant, plus chaleureux, plus romantique et flamboyant (dans tous les sens du terme) que ce Nosferatu 2024, qui est plus mortifère et crépusculaire, mais ça n'en reste pas moins un superbe cauchemar gothique.

Je l'ai vu aussi la semaine dernière, tiens.
J'en suis ressorti avec une bonne impression. Sans surprise, la photo est magnifique durant tout le film. Commet toi, j'aurais bien aimé voir plus le comte, et je trouve la fin un peu bâclée dans sa résolution. L'atmosphère m'a bien bloqué le bide en permanence, donc pour moi c'est réussi ^^ Mais oui ça aurait peut-être mérité un peu plus de travail dans la psyché des personnages. Le vampire est bien réussi, je n'aurais jamais reconnu Bill Skarsgard sans déjà savoir que c'était lui.
Apparemment, Anya Taylor Joy a refusé le rôle d'Ellen. Dommage, je l'apprécie plus que Lily-Rose Depp, même si elle joue bien là-dedans malgré tout.

Vu Wicked, avec les enfants (surtout ma fille).



C'est une comédie musicale avec Ariana Grande, qui se passe dans le pays d'Oz, et qui raconte l'histoire de la méchante sorcière, l'antagoniste du film de 1939 (que je n'ai jamais vu). L'histoire est en 2 parties, la deuxième sortira en 2025.

Trois bonnes raisons pour que ça soit un supplice, mais en fait non. C'est un des films les plus bizarres que j'ai vus tellement ça mélange des trucs improbables, et on ne sent pas vraiment les 2h40 de film (ouais...).

C'est un de ces films qui déconstruisent les méchants pour expliquer leur comportement. C'est très à la mode et ça peut être intéressant. On y suit donc le personnage d'Elphaba (Cynthia Erivo), qui deviendra la méchante sorcière, dès sa naissance. La pauvre fille n'a pas de chance, car elle est le produit d'un adultère, et sa couleur de peau est verte. De plus, dès sa naissance, elle montre une prédisposition effrayante pour la magie. Elle est orpheline de mère assez jeune, son "père" ne l'aime pas, et n'a d'yeux que pour sa petite sœur sur fauteuil roulant. Malgré cela, Elphaba supporte les quolibets sur sa couleur, protège sa sœur. Quand celle-ci part pour l'université de Shiz, Elphaba l'accompagne, mais dévoile par mégarde ses dons magiques et intéresse grandement la doyenne de l'université (Michelle Yeoh), qui la force à rester et à partager la chambre de Galinda (Ariana Grande), la future bonne fée, une adolescente complètement égocentrique et superficielle. À l'université, Elphaba va devoir supporter les moqueries, finir par gagner l'amitié de Galinda, connaître le racisme réservé aux animaux parlants, puis rencontrer le mythique magicien d'Oz.

Le film est donc une comédie musicale avec une chanteuse célèbre, il y a de nombreuses chansons et des chorégraphies. C'est de loin l'aspect le plus raté. Alors j'ai vu le film en VF (il n'y a pas de VO dans ma ville), mais ce n'est pas que les paroles le problème. Les mélodies sont insipides, les paroles désolantes, à une ou deux exceptions près. Même les chorégraphies font bizarrement cheap, à part quelques numéros d'Ariana Grande.

Le personnage d'Ariana Grande est d'ailleurs très étrange, limite hors sujet. D'abord, elle n'a pas le rôle principal. Ensuite, elle est... ben... idiote. Puérile, égocentrique, superficielle, entièrement basée sur l'apparence. Elle n'est pas foncièrement méchante (et c'est presque dommage), mais n'a jamais vraiment d'épaisseur, au contraire d'Elphaba. Elle est un peu le sidekick comique. Alors Ariana Grande fait vraiment le job en actrice. Très expressive, toujours dans le bon tempo, on a même l'impression qu'elle est bridée dans les numéros dansés tant elle semble à l'aise. Mais voilà, on a du mal à croire à son amitié avec Elphaba.

Parce que le film lui-même n'est pas complètement superficiel, contrairement à ce que la plupart de ses personnages et les décors pastels laissent supposer (la DA est d'ailleurs très correcte). Bien sûr, avec un pitch pareil, on peut s'attendre à un éloge de la différence et une critique du racisme. Alors oui, on l'a, entre le traitement que subissent Elphaba et les animaux comme le professeur chèvre. De plus, le film est "woke", sans aucun doute : acteurs de toutes les couleurs, de toutes les corpulences et tous les physiques (en particulier, beaucoup sont loin des canons hollywoodiens classiques, y compris Elphaba), y'a des gays et même un rouquin ! Et ça passe très bien.

Mais la dichotomie principale, c'est surtout l'opposition entre des personnages compétents et opprimés (Elphaba a un énorme potentiel, les animaux opprimés sont sages et érudits) et des personnages superficiels (qui disent ouvertement que seule l'apparence compte) mais qui ont le pouvoir (Galinda, le prince, la plupart des étudiants, le magicien d'Oz). Et du coup c'est très bizarre de mettre en "co-star" le personnage de Galinda qui est ouvertement du second côté, plutôt celui des antagonistes donc (le prince aussi a un traitement étrange comme ça).

Par contre, ça rend l'hypothèse de la bascule d'Elphaba plutôt plausible. Et le propos est assez pertinent et un peu plus original qu'un bête pamphlet anti-raciste.

Mais du coup, c'est peut-être pas évident pour un jeune public de se voir proposé pour personnages apparemment positifs des imbéciles décérébrés.

Bref, c'est pas un chef d'œuvre, mais j'ai pu cogiter sur le film en le regardant, et du coup ça m'a pas déplu. Sauf les chansons calamiteuses.

Je l'ai vu hier également (mais pas au ciné), c'est mieux que ce que j'aurais pu l'imaginer en voyant la bande annonce qui faisait penser à un sous Harry Potter progressiste. Et sur ce dernier point, comme le dit Tryphon, ils ont vraiment coché toutes les cases, sans que ça en devienne une tare pour le film.
La bande annonce ne montrait même pas le côté comédie musicale, donc ce fut mon premier étonnement. Et les premières chansons sont plutôt sympas, mais elles deviennent vite relous et trop présentes.
J'ai bien aimé le message et ce jeu sur l'ambivalence des personnages, c'est assez prévisible dès le début pour un adulte aguerri mais ça risque de décontenancer beaucoup de gamins. Ma petite par exemple dès la première scène a dit ces mots très spontanés "elle est trop belle la princesse, je veux être comme elle" en parlant d'Ariana Grande, ou encore "elle me fait peur la fille verte, et pourquoi ses lèvres elles sont vertes aussi" car ça commence en nous montrant les stéréotypes du conte de fées classique, pour tout déconstruire pendant 2h, et perso j'ai trouvé ça cool. Mention à Ariana Grande, dont le rôle d'ingénue est très bizarre mais vraiment bien joué, elle fait passer beaucoup de choses. Tout le reste, le sous texte sur l'intégration, le racisme , la dictature de l'apparence, l'oppression des gens différents mais pourtant compétents et intelligents, mêmes si ce n'est pas super subtil c'est plutôt bien traité, on est quand même dans un film tout public et spectaculaire, ça donne beaucoup de pistes de réflexions , notamment pour les plus jeunes, j'espère cependant qu'il sera bien reçu car ça va assurément en rendre plus d'un perplexe.
Plastiquement c'est très joli, bien réalisé, rythmé, même si les musiques auraient pu rendre le tout encore meilleur.

@Tryphon elles étaient en VO les chansons au cinéma ?

Hélas non. Je comprends pas cette manie de traduire les chansons. Dans Lalaland c'était pas traduit et c'était parfait.

Ah ok, dans la version que j'ai vu les dialogues sont en français mais les chansons en Vostfr, c'est déjà mieux que full VF.

Tryphon a écrit : ↑

01 janv. 2025 11:08

Hélas non. Je comprends pas cette manie de traduire les chansons.

Parce que la cible c’est d’abord les enfants francophones ?

Urbinou a écrit : ↑

01 janv. 2025 12:21

Tryphon a écrit : ↑

01 janv. 2025 11:08

Hélas non. Je comprends pas cette manie de traduire les chansons. Dans Lalaland c'était pas traduit et c'était parfait.

Parce que la cible c’est d’abord les enfants francophones ?

C'est ce que je me suis dit, mais d'une part c'est pas pour les tous petits, clairement, et donc à l'âge requis on sait lire, d'autre part ma fille elle y allait pour Ariana Grande, et elle était dégoûtée de voir que c'était pas elle qui chantait.

Sans compter qu'on comprenait à peine les paroles de toutes façons.

Puis dans certains films où les chansons sont vraiment dans un style folklorique (Coco, Rebelle), ça tue l'ambiance...

Je suis d'accord (qui ne le serait pas) pour affirmer la supériorité de la VO sur la VF sur les Disney et Pixar.

Mais je trouve que souvent la VF se défend quand même. Genre Coco est excellent en VF. Ou Le Roi Lion. Les Toy Story je les préfère même en VF.

Ouais Coco c'est réussi, ne serait-ce que parce que le gamin a un accent hispanique (puis y'a certainement moins d'écart entre le Français et l'Espagnol qu'entre le Français et l'Écossais).

VO/VF dans les DA ou Anime, ça ne me choque pas. Ce sont des dessins animés sur lesquels on colle des voix. On choisi ce que l'on préfère, le dessin ne parle pas ^^ C'est surtout pour les films que c'est totalement différent. T'as un acteur réel qui émet des sons. Si ce que tu vois ne correspond pas à ce que tu entends, c'est quand même très très bizarre. Ok on peut s'en contenter, mais putain… Perso j'ai vraiment du mal à voir ça. Pire, des fois l'ambiance n'est même pas la bonne avec une réverb qui n'a rien à foutre là (ou l'inverse), c'est souvent complètement pété. Je n'y arrive plus.

On parle des chansons wiiwii

Oui mais je suis un peu bourré donc je m'en fou

Je viens de matter Sonic 2 sur M6.

Précision : j'ai pas vu le 1. Ouais c'est con. Mais bon tant pis hein. Donc voilà, c'était mon premier contact avec un film Sonic. J'ai pas spécialement l'impression que le fait de pas avoir vu le premier m'ait handicapé dans le visionnage du 2eme cela dit.

Je suis très partagé en fait. Très subjectivement j'ai pas passé un mauvais moment. J'ai souri à quelques moments. Je peux pas non plus dire que je me sois ennuyé. Ni senti insulté. Et c'est déjà pas mal.

Mais y'a quand même des défauts monstrueux. L'acting deja. Jim Carrey s'en sort très bien en faisant du Jim Carrey (Faut aimer c'est sur. Pour moi il porte tout le film sur ses épaules en fait), mais le reste du casting est mauvais à en pleurer. TOUT le casting est à chier (sauf Jim Carrey donc). C'est dingue. J'ai rarement vu ça à ce point, et j'ai même aucun exemple qui me vienne à part des vieux nanars des années 70 à 90.

Et, défaut auquel je m'attendais pas, mais c'était PUTAIN DE MOCHE. Nos héros ressemblent à des peluches déjà. Et les couleurs sont degueulasses. Et, j'sais pas comment dire, mais vraiment on voit que les acteurs réels, ils regardent pas nos heros, mais souvent un peu à côté, ou au travers, 'fin l'interaction passe pas du tout, ça m'a jamais semblé aussi flagrant que ce film, et pourtant c'est loin d'être le premier film ou des personnages animés/CGI interagissent avec des personnes réelles. Roger Rabbit a plus de 35 ans et semblait 1000 fois moins "faux" que ce film quand il faisait interagir des personnages dessinés avec de vrais acteurs.

Et le scénario cassait pas 3 pattes à un canard. Cela dit j'aurais été bien incapable d'écrire un script pour un film Sonic.

Et enfin, j'ai tendance à penser que les fans de Sonic sont en général des adultes, voire des hommes de 30 à 50 ans (la où pour Mario les gosses des deux sexes kiffent encore les jeux). Hors ce Sonic 2 était clairement un film pour enfant. Pas un film familial comme Mario The Movie hein, mais un film POUR les gosses. Curieux.



Nan en fait y'a une grosse différence entre ma subjectivité (je me suis pas emmerdé donc) et mon soucis d'objectivité devant ce film ayant beaucoup plus de défauts que de qualités, dont certains défauts monstrueux (nan mais vraiment l'acting c'est pas possible. Je sais pas quels cachets ont reçu les acteurs, mais si c'est davantage que 5€ c'est beaucoup trop).

J'sais pas du tout comment le noter sur SC celui là. En tout cas si je le compare au film Mario, le plombier massacre totalement le hérisson.

Mais Jim Carrey était rigolo.

Ah bah ton retour confirme mes impressions. Jamais vu un de ces films, mais dès que je tombe sur une bande-annonce, j'ai des hauts-le-coeur qui le viennent. Ça l'air très moche, le design des personnages me répugne, et les répliques que j'ai entendues m'ont provoqué facepalm sur facepalm.
Après j'aime beaucoup Jim Carrey aussi donc je sais pas trop quoi faire de tout ça ^^

- "Alien: Romulus", réalisé par Fede Álvarez, sorti en 2024 -

Dernier Alien en date… Moyen pour ma part. Les principaux problèmes que j'ai rencontré : des persos dont je me fous totalement, un scénario peu développé, des scènes/dialogues un peu trop pompés sur les autres opus et une OST basique. Tous ces points réunis m'ont fait soupirer pendant le film. Je crois que ce sont les persos (à part Andy) qui m'ont le plus ennuyé. Aucun n'est travaillé, je n'ai eu aucune émotion quant aux morts. C'est d'ailleurs assez flippant de se sentir inhumain à ce point ^^ A part ça, quelques scènes étaient vraiment cool comme la baston en impesanteur.

Je pense que la licence va désormais sombrer dans le "slasher" facile…

Avec les enfant, nous avons regardé Donjons & Dragons L'honneur des voleurs et franchement on a passé un bon moment. C'est divertissant : il y a beaucoup d'action et d'humour, ça m'a fait penser aux livres de Terry Pratchett pour la fantasy au 2nd degré (le dragon obèse, les morts interrogés, le paladin barbant...). Classique mais efficace, certainement la meilleure adaptation de cette licence au cinéma.

Esperluette a écrit : ↑

05 janv. 2025 17:02

Avec les enfant, nous avons regardé Donjons & Dragons L'honneur des voleurs et franchement on a passé un bon moment. C'est divertissant : il y a beaucoup d'action et d'humour, ça m'a fait penser aux livres de Terry Pratchett pour la fantasy au 2nd degré (le dragon obèse, les morts interrogés, le paladin barbant...). Classique mais efficace, certainement la meilleure adaptation de cette licence au cinéma.

d'accord avec toi c'est a ce jours la meilleur adaptation Ad&d en film , fun plein de lore mais pas indigeste du tout

Morkalavin a écrit : ↑

05 janv. 2025 17:22

d'accord avec toi c'est a ce jours la meilleur adaptation Ad&d en film , fun plein de lore mais pas indigeste du tout

Alors je vais d'abord rebondir la dessus, mais c'était pas très dur hein. Les précédents sont quand même de grosses purges.

Bon je vais quand même dire que j'ai beaucoup aimé ce film aussi. J'avais lu une critique qui disait que ce film était à la fantasy ce que les Gardiens de la Galaxie était à la SF. Et je suis plutôt d'accord. Je l'ai vraiment trouvé fun.

Et Hugh Grant, je l'ai adoré dedans. On sent qu'il s'éclate dans ce film, c'est quelque chose auquel je suis assez sensible ça, quand le cast s'amuse visiblement.

- "Twisters", réalisé par Lee Isaac Chung, sorti en 2024 -

En voyant le premier Twister je n'imaginais pas qu'il y avait une suite. C'est en faisant mes petites recherches "d'après visionnages" que j'ai appris son existence. Et ma foi, j'ai trouvé ce nouvel opus bien sympa. Je me suis même plus amusé dans celui-ci. Pourtant au début c'était vraiment pas gagné : les persos ne m'inspiraient rien et étaient trop dans la caricature, le "too much américain" bien relou… C'était pas génial du tout. Puis petit à petit, j'ai trouvé les persos de plus en plus attachants avec des acteurs/trices jouant bien leur rôle. L'ambiance générale aussi m'a plu, le fun est présent à l'écran et la musique envoie (peut-être trop par moment ^^). J'ai aimé cette "euphorie" positive générale. Alors attention, il y a zéro originalité dans le scénario et zéro surprise du début à la fin. Tout est presque tracé. Mais c'est plutôt bien foutu avec de bonnes scènes d'action comme on les attend dans ce genre. Les effets sont vraiment pas mal, surtout quand on a vu le premier Twister pas longtemps avant ^^

merci pour ton retour.
Un film n'a pas besoin de surprendre et ça deviens de plus en plus dur.
Si le film est bien fait,avec de bons acteurs c'est déja super.ça dépends de ce qu'on attends d'un film.

Franchement y a déjà une idée de cinéma dans Twisters, soit une de plus que dans 99% des blockbusters récents : c'est la scène du.... cinéma.

Mais je spoile pas.
Mais y a une idée. Bien cool en plus.

Ouais_supère a écrit : ↑

05 janv. 2025 19:00

Franchement y a déjà une idée de cinéma dans Twisters, soit une de plus que dans 99% des blockbusters récents : c'est la scène du.... cinéma.

Mais je spoile pas.
Mais y a une idée. Bien cool en plus.

Alors la,tu me donnes trop envie de voir "Twisters 2"

Et le premier,j'avais bien aimé en plus

Ouais_supère a écrit : ↑

05 janv. 2025 19:00

Franchement y a déjà une idée de cinéma dans Twisters, soit une de plus que dans 99% des blockbusters récents : c'est la scène du.... cinéma.

Mais je spoile pas.
Mais y a une idée. Bien cool en plus.

Oui elle est bien sympa cette scène

@darktet : Le début peut vraiment rebuter… C'était chaud. Ma copine et moi on se regardait : "Aie, va falloir qu'il se passe autre chose que ça". Mais je sais pas, la suite m'a plu. J'arrive même pas trop à expliquer pourquoi

wiiwii007 a écrit : ↑

05 janv. 2025 19:41

Ouais_supère a écrit : ↑

05 janv. 2025 19:00

Franchement y a déjà une idée de cinéma dans Twisters, soit une de plus que dans 99% des blockbusters récents : c'est la scène du.... cinéma.

Mais je spoile pas.
Mais y a une idée. Bien cool en plus.

Oui elle est bien sympa cette scène

@darktet : Le début peut vraiment rebuter… C'était chaud. Ma copine et moi on se regardait : "Aie, va falloir qu'il se passe autre chose que ça". Mais je sais pas, la suite m'a plu. J'arrive même pas trop à expliquer pourquoi

@Ouais_supère @wiiwii007
Vu "Twisters"

bah j'aime bien comme le premier.C'est agréable,de la tornade en veux tu en voila.ça enchaine,sans blabla.C'est tres "rednek amérique profonde du middle ouest" et c'est pas un reproche.Moi le premier étant un "plook" de la campagne bretonne^^
Apres ça reste a mon gout un film qui se regarde bien,mais rien d'éxceptionelle.Loin de la.La fin,on la vois venir a des kilométres.

et je vois pas ou vous avez trouvez "votre fameuse scène" c'est la scène du cinéma ? les gars c'était prévisible....

Indiquez le moi en spoil.Je suis curieux.

C'est pas du tout une scène surprise (ya pas de surprise dans ce film), juste la scène qui est sympa.

wiiwii007 a écrit : ↑

07 janv. 2025 20:11

C'est pas du tout une scène surprise (ya pas de surprise dans ce film), juste la scène qui est sympa.

ah ok,bah oui la scène est sympa
Je croyais que c'était une scène a la "seven" ^^ ok au tant pour moi.

darktet a écrit : ↑

07 janv. 2025 20:18

wiiwii007 a écrit : ↑

07 janv. 2025 20:11

C'est pas du tout une scène surprise (ya pas de surprise dans ce film), juste la scène qui est sympa.

ah ok,bah oui la scène est sympa
Je croyais que c'était une scène a la "seven" ^^ ok au tant pour moi.

Alors attention, ça révolutionne rien !
Mais c'est une "trouvaille" chouette.

En gros, nous, spectateurs, sommes "aspirés" (symboliquement, via notre regard) par l'écran, sur lequel se trouvent des personnages eux-mêmes aspirés, littéralement cette fois, par un autre écran (celui de la salle de cinéma, qui a en fait disparu, y a un trou à la place).

Je vais pas te dire que ça philosophe niveau doctorat sur notre position de spectateur, mais c'est sympa, et quand y a un truc sympa qui vient d'Hollywood faut le dire, c'est devenu rare.

Ouais_supère a écrit : ↑

07 janv. 2025 20:50

darktet a écrit : ↑

07 janv. 2025 20:18

wiiwii007 a écrit : ↑

07 janv. 2025 20:11

C'est pas du tout une scène surprise (ya pas de surprise dans ce film), juste la scène qui est sympa.

ah ok,bah oui la scène est sympa
Je croyais que c'était une scène a la "seven" ^^ ok au tant pour moi.

Alors attention, ça révolutionne rien !
Mais c'est une "trouvaille" chouette.

En gros, nous, spectateurs, sommes "aspirés" (symboliquement, via notre regard) par l'écran, sur lequel se trouvent des personnages eux-mêmes aspirés, littéralement cette fois, par un autre écran (celui de la salle de cinéma, qui a en fait disparu, y a un trou à la place).

Je vais pas te dire que ça philosophe niveau doctorat sur notre position de spectateur, mais c'est sympa, et quand y a un truc sympa qui vient d'Hollywood faut le dire, c'est devenu rare.

ah oui,j'avais pas vu ,réfléchis a cette scène ,aussi loin dans la métaphore, la double aspiration,bas oui c'est cool !
T'aurai pas détaillé..j'aurai pas remarqué la subtilité,merci

darktet a écrit : ↑

05 janv. 2025 18:32

merci pour ton retour.
Un film n'a pas besoin de surprendre et ça deviens de plus en plus dur.
Si le film est bien fait,avec de bons acteurs c'est déja super.ça dépends de ce qu'on attends d'un film.

Je suis d’accord mais en vrai moi j’ai pas forcément besoin d’être surpris, en fait je passe davantage de temps à voir et revoir des films que j’adore plutôt qu’à regarder des nouveautés.
J’ai du voir 4x top gun maverick en 2024 et 50x l’arme fatale 3 depuis que je suis né.
Concernant twister j’ai pas encore vu le remake.
J’avais bien aimé le premier et je l’ai encore regardé il y a quelques mois.
Il me tente bien mais j’ai peur qu’il y ait trop de scènes abusées.
Mais bon je vais le regarder prochainement aussi
Ah et mes meilleurs vœux à vous pour cette année

Biff57 a écrit : ↑

07 janv. 2025 21:20

darktet a écrit : ↑

05 janv. 2025 18:32

merci pour ton retour.
Un film n'a pas besoin de surprendre et ça deviens de plus en plus dur.
Si le film est bien fait,avec de bons acteurs c'est déja super.ça dépends de ce qu'on attends d'un film.

Je suis d’accord mais en vrai moi j’ai pas forcément besoin d’être surpris, en fait je passe davantage de temps à voir et revoir des films que j’adore plutôt qu’à regarder des nouveautés.
J’ai du voir 4x top gun maverick en 2024 et 50x l’arme fatale 3 depuis que je suis né.
Concernant twister j’ai pas encore vu le remake.
J’avais bien aimé le premier et je l’ai encore regardé il y a quelques mois.
Il me tente bien mais j’ai peur qu’il y ait trop de scènes abusées.
Mais bon je vais le regarder prochainement aussi
Ah et mes meilleurs vœux à vous pour cette année

mais c'est marrant,Biff moi aussi je passe un temps fou a voir,revoir des films que je connais par coeur ,aucune surprise forcément ^^,mais j'adore!

Respect 50 x l'arme fatale 3 !! pourtant j'ai du le voir mini 10 x^^ je m'en lasse pas,mais 2 fois par an,faut voir...

je passe un temps fou a voir,revoir des films que je connais par coeur ,aucune surprise forcément ^^,mais j'adore!

Y a pas de mal à se faire du bien comme on dit
Je regarde très souvent des films que j’ai déjà vu plusieurs fois mais je dois avoir une douzaine de film que je peux me regarder 2x par mois sans souci.
C’est souvent relatif à un vécu personnel, une émotion particulière qu’on aime retrouver à travers nos films.

@Gringos10


Envie de regarder un DVD ce matin ! Je lance celui ci que j'avais pris à la suite de Once uppon a time in India. En 2001, la réal avait déjà pas mal de films derrière elle, on sent l’expérience derrière la caméra, la technique et l'écriture sont à la hauteur, ça ne verse pas dans la romcom tout en nous faisant ressentir l'Inde, j'ai pensée au cinéma délicat de Lucrecia Martel, Edward Yand ou Wong Kar Wai.
C'est...l'histoire d'un mariage dans une famille indienne plutot très riche, avec ses intrigues, ses drames plus ou moins grands, ses générations qui se croisent. Je regarderais ses autres films avec plaisir !

J'ai rematé 2 classiques de François Truffaut, Les Quatre Cents Coups et Jules et Jim ...



Sorti en 1959 et réalisé par François Truffaut, Les Quatre Cents Coups est un film culte qui lancera le mouvement de la Nouvelle Vague. C'est le premier film de François Truffaut derrière la caméra, qui cosignera dans la foulée le scénario d'À bout de souffle avec Jean-Luc Godard, un autre film culte. Les Quatre Cents Coups c'est une œuvre sur la fin de l'enfance et le début de l'adolescence, dans lequel on retrouve en tête d'affiche (encore tout jeunot) Jean-Pierre Léaud dans ce rôle qui deviendra mythique d'Antoine Doinel qu'il reprendra quatre fois pour au total une grande saga de cinq films. On retrouve également Claire Maurier dans le rôle de la mère et Albert Rémy dans le rôle du père. Et lors d'une apparition éclaire, on pourra apercevoir Jeanne Moreau et Jean‐Claude Brialy ... Jeanne Moreau qui tournera de nouveau pour François Truffaut dans Jules & Jim.

Antoine Doinel est un jeune garçon de douze ans qui va très vite découvrir que la vie n'est pas si simple. Il vit dans un tout petit appartement d'un immeuble miteux avec ses deux parents, une mère peu aimante et un père qu'on pourrait qualifier à l'humeur frivole. Ses parents ne sont pas les pires parents du monde, mais on sent bien qu'ils ne sont pas des parents très attentionnés. Et si vous rajoutez à tout ça, un système éducatif avec un professeur des écoles (Guy Decomble) qui le prend en grippe, dans une classe turbulente et des camarades pas très solidaires ... en gros, il prend pour tous les autres vu que l'instituteur l'a dans son collimateur. Alors forcément, il en marre de passer pour la victime de service, que ce soit à la maison ou à l'école, alors il décide de faire l'école buissonnière et de fuguer de chez lui le temps d'une journée, pour aller faire "Les Quatre Cents Coups" avec son meilleur ami René (Patrick Auffay).

Dans Les Quatre Cents Coups on va donc suivre Antoine Doinel enchaîner les bêtises, voire même les délits, pour s'émanciper et vivre de ses propres ailes. C'est le rite de passage d'un jeune garçon de l’enfance à la vie adulte en quelques jours. Le film pourrait paraitre très daté, mais il faut garder en tête que le film sort en 1969, dans une époque révolue. Et que ce soit sur le fond ou sur la forme, pour l'époque justement, le film est très an avance sur son temps. Pour le coup, François Truffaut s'affranchit de tous les codes du cinéma d'avant et d'après guerre. Il filme à l'extérieur, dans des décors naturels avec une caméra très libre, des personnages qu'on pourrait croiser tous les jours et qui parlent comme nous (ou plutôt comme mes parents). Ce n'est donc pas pour rien qu'on parle encore aujourd'hui de ce film comme l'un des panthéon du cinéma français et même mondial.

Si on se replace dans le contexte de l'époque (pour rappel, 1959), on est exactement neuf ans avant les révoltes étudiantes de Mai 68. C'est donc une œuvre prémonitoire, mais également autobiographique pour François Truffaut et Jean-Pierre Léaud. L'écriture du film a été fortement influencé par l'expérience de François Truffaut adolescent et par le caractère de Jean-Pierre Léaud qui transpire dans son interprétation d'Antoine. On sent que c'est un film sincère et honnête avec ses personnages et du coup c'est un film qui résonne en nous encore aujourd'hui. C'est vraiment un film transgénérationnel, même plus de soixante ans après les problèmes sont toujours les mêmes. Les adolescents sont toujours malmenés par les profs, ils se sentent toujours incompris par leurs parents. C'est un film qui nous rappelle que le cinéma est magique, car je suis sûr que c'est le genre de film que des jeunes apprécieront encore aujourd'hui, malgré le noir & blanc et malgré un Paris de carte postale des années 60.

Mais la grosse révélation du film, c’est Jean-Pierre Léaud. Le film ne serait pas ce qu’il est sans sa performance d’un naturel confondant. Tout le monde le sait, c’est extrêmement difficile de faire jouer (convenablement) des enfants au cinéma et beaucoup s’y sont cassés les dents. Or ici, François Truffaut ne s’est pas loupé, il a déniché un futur talent et un collaborateur de longue date, puisqu’ils tourneront ensembles sept films dont un court.

Les Quatre Cents Coups est un film qui touche au cœur, c'est touchant et triste, sans jamais tomber dans le pathos. On s'identifie tout de suite à Antoine et on s'attache à lui, d'autant plus qu'il ne mène vraiment pas la vie facile. On voit bien que sa mère essaie de se racheter vers la fin, mais on sent bien qu'elle n'a pas la fibre maternelle. Quant au père, il semble avoir complètement démissionné de son rôle de paternel. Et puis, ça va aller de mal en pire pour Antoine tout au long du métrage, jusqu'au plan final "ambigu" ... Jean-Pierre Léaud incarnera Antoine Doinel dans cinq films (quatre long métrages + un court), à savoir Les Quatre Cents Coups (1959), le court métrage Antoine et Colette dans L'Amour à 20 ans (1962), Baisers Volés (1968), Domicile Conjugal (1970) et L'Amour en Fuite (1979), C’est le héros d’une saga emblématique, qui a marqué notre imaginaire collectif et qui continue d’influencer les œuvres contemporaines (la trilogie des Before de Richard Linklater et la trilogie sur Xavier de Cédric Klapisch, entre autres). C’est pour cette raison que Les Quatre Cents Coups est une œuvre majeure et un film fondateur de la Nouvelle Vague, auquel se référence tant de réalisateurs aujourd’hui.

Bref, Les Quatre Cents Coups est une œuvre culte qui a probablement inspiré de nombreux réalisateurs par la suite. C'est un film profond et une œuvre qui respire la sincérité. C'est une histoire simple, mais qui parle à tout le monde.



Sorti en 1962 et réalisé par François Truffaut, Jules et Jim est le troisième film de son réalisateur. C’est un drame romantique en noir & blanc adapté du roman du même nom d’Henri-Pierre Rochéde, publié en 1953. C’est un pur film de triangle amoureux dans lequel une personne, ici une femme Catherine, aime deux autre personnes, ici deux hommes Jules et Jim (d’où le titre du film), C’est Jeanne Moreau interprète Catherine, après une brève apparition dans Les Quatre Cent Coups le premier film de François Truffaut, Et pour interpréter respectivement Jules l'Autrichien et Jim le Français, François Truffaut a eu recours à Oskar Verner et Pierre Serre. A noter également la présence remarquée de Cyrus Bassiak (alias Serge Rezvani) en guitariste accompagnant Jeanne Moreau pour la chanson Le Tourbillon de la Vie qui est devenue si célèbre. Si la BO du film est bien signée de Georges Delerue (collaborateur fidèle de Truffaut), on se souviendra surtout de cette chanson composée par Serge Rezvani et interprétée par Jeanne Moreau.

Dans le Paris des années 1910, on retrouve deux jeunes amis Jules et Jim qui partagent la même passion pour la musique et pour l’art, Et cette amitié inséparable va souffrir de l’arrivée de Catherine dans la vie de Jules qui tombera follement amoureux d’elle et souhaitera l’épouser, Il la présentera à Jim et de cet rencontre naîtra une tension entre les deux amis qui tombent amoureux de la même femme. Quant à Catherine, elle ne semble pas vouloir faire son choix. C’est donc le parfait schéma du triangle amoureux.

Ensuite, on passera plusieurs années en leur compagnie, avec la première guerre mondiale au milieu qui va les séparer, chacun engagés dans les deux camps opposés, en espérant que ni l’un ni l’autre ne meurt, ou pire qu’ils doivent s’affronter. Catherine choisira d’épouser Jules, mais Jim reviendra dans sa vie et deviendra son amant, ce qui sera une source de tension pour le(s) couple(s). La tension sera d’autant plus grande entre les deux amis que Catherine deviendra la mère d’une petite fille Sabine, Le cercle familiale s’agrandit avec Catherine, le mari, l’amant et la petite fille.

C’est un film assez libertin (toutes proportions gardées) et dans la mouvance de La Nouvelle Vague qui aspire à plus de liberté et qui veut casser les codes du cinéma « à papa ». C’est aussi un film sur la perte de l’innocence, ici pour l’amour d’une femme, mais aussi par rapport aux atrocités de la guerre, la difficulté de fonder une famille et d’en assumer les responsabilités. Le passage qui illustre au mieux cette innocence des débuts est cette scène devenue très célèbre de la course sur le pont, Après cette scène, plus rien ne sera pareil, leur amitié ne résistera pas à l’arrivée de la guerre et à leur rivalité pour conquérir Catherine. La tension est palpable dans un camp comme dans l’autre, lors de leurs retrouvailles après la guerre. On ne retrouvera plus les scènes de joie de la première partie du film. Les scènes de joie laissent place à un climat tendu et orageux, jusqu’à la scène finale brutale et tragique ... Le film dure un peu moins de deux heures et on ne s’ennuie pas une seule seconde, c’est parfaitement rythmé et on retiendra plusieurs scènes marquantes, la course sur le pont, la chanson Le Tourbillon de la vie (Vanessa Paradis l’avait reprise au Festival de Cannes pour un prix d’honneur décerné à Jeanne Moreau) et une scène de fin poignante. Par contre, je me serais bien passé de cette voix-off qui semble avoir été rajouté au dernier moment pour combler les trous et ne pas perdre les spectateurs. Mais voilà, cette voix-off va à l’encontre de l’immersion et nous fait sortir du film. Dans la même idée, je pense tout de suite à la voix-off dans Blade Runner.

Jules et Jim est un très joli film sur l’amitié masculine qui est mis en péril par l’arrivée d’une femme. C’est un film qui montre la complexité des émotions humaines et les dilemmes passionnels qui en découlent. Cette situation (le triangle amoureux) engendre de la rivalité, de la haine, de la violence … Bref, je ne sais pas vous, mais moi en voyant ce film, j’ai été pris par le tourbillon de la vie.

JonMadlaine a écrit : ↑

08 janv. 2025 13:27

@Gringos10


Envie de regarder un DVD ce matin ! Je lance celui ci que j'avais pris à la suite de Once uppon a time in India. En 2001, la réal avait déjà pas mal de films derrière elle, on sent l’expérience derrière la caméra, la technique et l'écriture sont à la hauteur, ça ne verse pas dans la romcom tout en nous faisant ressentir l'Inde, j'ai pensée au cinéma délicat de Lucrecia Martel, Edward Yand ou Wong Kar Wai.
C'est...l'histoire d'un mariage dans une famille indienne plutot très riche, avec ses intrigues, ses drames plus ou moins grands, ses générations qui se croisent. Je regarderais ses autres films avec plaisir !

J'ai rematé La Nuit américaine et Le Dernier Métro, mes eux Truffaut préférés ...



Sorti en 1973 et réalisé par François Truffaut, La Nuit américaine est une œuvre miroir sur le septième art ou devrais-je dire, un grand cri d'amour pour le cinéma. François Truffaut y joue son propre rôle, celui d'un metteur en scène. C'est un film qui raconte le tournage d'un film, avec tout ce qui se passe autour du film. On va donc voir si le metteur en scène va arriver ou pas à finir le tournage de son film, malgré les caprices des acteurs et les petites histoires au sein de l'équipe technique qui peuvent entraver le travail du réalisateur. Ce tournage c'est donc juste un prétexte pour voir l'envers du décor et la vraie vie qui se déroule en dehors des plateaux, au grand damne de François Truffaut qui lui ne jure que par et pour le cinéma.

La Nuit américaine c'est une véritable mise en abyme, dans les décors d'un studio et avec des acteurs qui semblent plus ou moins jouer leur propre rôle. Et même dans l'équipe technique du film dans le film, on retrouve certains membres de la vraie équipe technique de François Truffaut, comme par exemple son plus fidèle compositeur Georges Delerue. On retrouve également devant la caméra son vrai monteur et son vrai chef opérateur, mais pour les rôles de la scripte (Nathalie Baye) et de l'accessoiriste (Bernard Menez), il a préféré faire appel à de vrais comédiens. A certains moments, on se sent obligé de vérifier qui joue vraiment son propre rôle. François Truffaut s'amuse à mélanger la fiction et les histoires vraies. On sent qu'il met beaucoup de lui dans ce film, avec des anecdotes incroyables mais vraies.

La Nuit américaine c'est donc un film dans le film et c'est le genre de concept que j'adore aller voir au cinéma. C'est d'ailleurs un thème qui est à la mode ces dernières années, ça a commencé il y a dix ans avec Birdman (2014), puis il y a eu La La Land (2016), Once Upon a Time... in Hollywood (2019), Babylon (2022) et The Fabelmans (2023) l'an dernier. Même si j'aime beaucoup certains de ses films, je n'ai jamais été le plus grand fan du cinéma de François Truffaut ... mais alors La Nuit américaine, c'est un petit miracle ce film. J'ai dû le voir une bonne dizaine de fois et je ne m'en lasse toujours pas.

Et si j'aime autant La Nuit américaine, c'est parce que ça parle de la vie, des coulisses du cinéma et des acteurs. Jacqueline Bisset est splendide (sérieux, ce regard) et jean Pierre Léaud est très touchant (acteur mythique du cinéma français), mais c'est Nathalie Baye, alors toute jeune, qui vole la vedette à tout le monde. Elle est tellement naturelle (et craquante) dans le rôle de la scripte, qu'on croirait que c'est une vraie scripte ... mais non, c'était son tout premier rôle au cinéma. Et même Bernard Menez est au top, franchement très drôle dans le rôle de l'accessoiriste. Le duo que forme Nathalie Baye et Bernard Menez est à la fois amusant et très touchant.

Bref, La nuit américaine c'est le genre de film qui vous donne envie d'aller au cinéma. C'est clairement mon Truffaut préféré avec Le Dernier Métro, deux films qui parlent d'ailleurs de créations (filmique pour le premier et théâtrale pour le second).



Sorti en 1980 et réalisé par François Truffaut, Le Dernier Métro est un grand classique du cinéma français des années 80. C'est très certainement le film qui a obtenu le plus gros succès critique et public de François Truffaut, comme en témoigne les nombreuses récompenses reçues aux Césars, dont ceux les plus prestigieux du meilleur film et du meilleur scénario pour son réalisateur, mais aussi celui du meilleur acteur pour Gérard Depardieu et de la meilleur actrice pour Catherine Deneuve. Tout comme dans La Nuit américaine, qui mettait en scène le tournage d’un film, Le Dernier Métro montre la création et les coulisses de la pièce. Ce n'est donc pas un hasard si mes deux films préférés de François Truffaut sont justement La Nuit américaine et Le Dernier Métro. Mais à la différence de La Nuit américaine, Le Dernier Métro se déroule durant l'occupation et ce n'est pas François Truffaut qui interprète le rôle du metteur en scène.

Paris 1942, nous sommes en période d'occupation et Lucas Steiner (Heinz Bennent) est un metteur en scène qui ne peut plus continuer à diriger sa pièce, parce que juif. Mais au lieu de fuir Paris, il décide de se cacher dans la cave de son théâtre pour continuer de mettre en scène sa pèce. Sa femme Marion (Catherine Deneuve) une actrice, lui rend visite chaque soir pour commenter le travail des comédiens. Peu à peu et au grand damne de son mari, elle tombe amoureuse de Bernard Granger (Gérard Depardieu), séduite par son tempérament fougueux et par son talent sur scène. C'est un sorte un triangle amoureux, insolite et cocasse, qui se met en place entre le metteur en scène, la comédienne et le comédien.

Le Dernier Métro est bien plus qu'un énième film sur l'occupation, c'est un film sur le théâtre qui représente le seul lieu de vie en cette période trouble. On y retrouve des juif, des homosexuels et surtout des affaires de cœurs. Mais toujours est-il que c'est un lieu où on ressent l'enfermement (Lucas dans sa cave), l'obscurité (les pannes d'électricité et l'éclairage à la bougie) et la frustration d'une relation qui ne peut pas exister au grand jour (le couple Lucas-Marion, mais aussi Marion-Bernard). C'est une façon très originale d'aborder l'occupation, au sein d'un théâtre, lieu de vie.

C'est à la fois un film très léger et charmant comme La Nuit américaine, avec des tas d'histoires de cœurs entre les membres du théâtre (comédiens, comédiennes et costumières). Et en même temps, c'est un film très sombre, avec la persécution des juifs qui est symbolisée par le personnage de Daxiat, un journaliste qui collabore avec les nazis et qui est merveilleusement (et terriblement) incarné par Jean-Louis Richard. Le mal absolu rode autour du théâtre, mais ne parvient jamais à le pénétrer. Le théâtre est le seul lieu où on ne ressent pas vraiment l'occupation et où les histoires d'amour sont possibles.

Le couple Depardieu-Deneuve est une évidence, elle d'une beauté glaciale et lui qui joue le jeune premier avec énormément de panache. C'est un couple mythique qu'on retrouvera dans bien d'autres films, mais ici c'est leur première collaboration au cinéma. Et c'est pour moi le principal intérêt du film, c'est le côté théâtral de cette histoire d'amour qui se joue sur scène. Il y a un jeu perpétuel qui se met en place entre Marion et Bernard, avec ce qu'ils se disent sur et en dehors de la scène. Un contraste se crée alors entre la vie sur scène qui est un jeu et la vie dans les coulisses en période d'occupation. Et bien plus qu'une histoire d'occupation, c'est cette histoire d'amour qui se joue sur scène qui m'a le plus passionné. Leur histoire d'amour est d'autant plus belle qu'elle ne se dévoile que très tardivement et ce n'est qu'à la toute fin du film que notre attente est récompensée. C'est très intelligemment amené.

Bref, Le Dernier métro est un grand cri d'amour de son réalisateur pour le cinéma et le théâtre. On sent que François Truffaut aime ses acteurs, qui le lui rendent bien en retour. Catherine Deneuve est superbe face à un Gérard Depardieu flamboyant. Non vraiment, Le Dernier Métro est un film magnifique, qui mérite amplement chacune de ses dix statuettes ... mon Truffaut préféré avec La Nuit américaine.

Truffaut il faut que je me fasse sa filmographie. J'en ai vu quasiment aucun.

Idem, j'ai vu que Les Quatre Cents Coups